A Rolling Stone elaborou uma lista com os 50 discos mais decepcionantes da história de acordo com seus escritores.
É importante que o leitor atente para a proposta antes de sair cuspindo fogo. Não são necessariamente os piores álbuns dos artistas mencionados, mas aqueles que geraram grandes expectativas e acabaram frustrando os fãs.
As menções ocorreram de forma aleatória no artigo original (que pode ser lido – em inglês – clicando aqui). Vamos mencionar todos, destacando as explicações daqueles que nos dizem mais respeito quanto ao segmento que cobrimos com maior ênfase – que são a maioria, de qualquer modo.
Eis os eleitos:
Os 50 discos mais decepcionantes da história segundo a Rolling Stone
50. “The Big Day” (Chance the Rapper)
49. “The King of Limbs” (Radiohead): “Guardem as forcas. Acalmem-se todos. Não estamos sugerindo que ‘The King of Limbs’ seja algo menos que um disco sensacional. Nós o nomeamos o quinto melhor álbum de 2011 quando o ano estava terminando, e mantemos isso todos esses anos depois. Mas ele seguiu ‘The Bends’, ‘OK Computer’, ‘Kid A’, ‘Amnesia’, ‘Hail to the Thief’ e ‘In Rainbows’. É uma das melhores séries de 12 anos na história do rock, talvez até a melhor. Por causa disso, as expectativas para The King of Limbs eram altíssimas. E as faixas de destaque ‘Lotus Flower’, ‘Separator’ e ‘Bloom’ realmente entregaram, mas há simplesmente muitas músicas como ‘Feral’ e ‘Morning Mr. Magpie’ que decepcionam. Em 2017, o produtor Nigel Godrich nos contou como o álbum surgiu. ‘Eu estava tipo, ‘OK, vamos fazer um experimento por duas semanas onde todos têm um toca-discos em vez de tocar guitarra ou bateria ou o que quer que seja’, disse ele. ‘E esse experimento de duas semanas acabou sendo uma porra de seis meses. E esse é o recorde, toda a história de tudo isso’. Foi uma jogada ousada, mas simplesmente não valeu a pena como todos esperavam.”
48. “Wild Life” (Wings): “Imagine que você é um fã de Paul McCartney em dezembro de 1971. Nos últimos dois anos, você ganhou ‘Abbey Road’, ‘Let It Be’, ‘McCartney’ e ‘Ram’. São todos álbuns estelares, para dizer o mínimo, e extremamente únicos. Você ouve que ele formou uma nova banda chamada Wings. É seu primeiro grupo desde os Beatles. Então você vai até a loja de discos e pega ‘Wild Life’. Decepção nem começa a descrever a experiência da maioria dos fãs em tal posição. Gravado em apenas alguns dias no verão de 1971, o álbum é uma mistura de originais malfeitos (‘Dear Friend’, ‘Tomorrow’), um cover sem sentido (‘Love is Strange’) e reprises de músicas (‘Mumbo’, ‘Bip Bop’) que não funcionaram na primeira vez, muito menos na segunda. ‘McCartney está se conformando com sua própria fofura — a superprodução soa menos desorganizada dessa vez — mas ainda é fofura’, escreveu Robert Christgau, ‘e nem mesmo comove. Talvez a emoção de liderar sua própria banda o tenha distraído’. Não demorou muito para que os Wings descobrissem seus pontos fortes e dessem ao mundo ‘Band on the Run’, mas eles tiveram um começo extremamente instável em ‘Wild Life’.”
47. “Bigger and Deffer” (LL Cool J)
46. “Be Here Now” (Oasis): “Olhando para trás todos esses anos depois, fica claro que nada que o Oasis lançou depois de ‘(What’s the Story) Morning Glory?’ faria qualquer coisa além de decepcionar as massas. O hype atingiu proporções tão insanas em 1996 que as pessoas estavam classificando a banda pop britânica como os novos Beatles. Adicione milhões de dólares, brigas internas brutais e montanhas de cocaína, e ‘Be Here Now’ era inevitável. As críticas foram inicialmente bastante positivas (mais ou menos como Roger Ebert dando quatro estrelas a ‘Star Wars: The Phantom Menace’), mas os singles não decolaram, cópias começaram a se acumular em lojas de discos usados, e cresceu a sensação de que esta não era uma obra-prima. Na verdade, ‘Stand by Me’, ‘D’You Know What I Mean?’ e ‘All Around the World’ são ótimas músicas, mas há muito inchaço. A maioria das músicas é simplesmente muito longa, e eles poderiam facilmente ter cortado cinco ou seis delas. Enquanto isso, o Radiohead lançou um novo álbum chamado ‘OK Computer’ naquele mesmo verão. A tocha havia sido passada.”
45. “Listen Without Prejudice Vol. 1” (George Michael)
44. “Draw the Line” (Aerosmith): “O Aerosmith não era exatamente um usuário casual de drogas durante seus primeiros dias, mas a música ainda vinha em primeiro lugar quando eles estavam criando seus quatro primeiros álbuns. Isso mudou em 1977, quando o trabalho começou em ‘Draw the Line’. ‘Todo mundo estava chapado até o máximo’, disse o cantor Steven Tyler no ‘Behind the Music’ da banda. ‘[Estávamos] tão chapados quanto se poderia estar. Eram realmente dias cheios de noite. Era apenas uma questão de tempo antes que todos nós nos matássemos’. Eles de alguma forma criaram duas músicas fortes para ‘Draw the Line’ — a faixa-título e ‘Kings and Queens’ — mas o resto são apenas desastres movidos a cocaína. ‘Draw the Line é um disco realmente horrendo, caótico a ponto de funcionar mal e com um som quase impenetrável e denso aumentando a confusão’, escreveu Billy Altman, da Rolling Stone, em uma crítica brutalmente negativa do álbum. ‘Isso mostra que esses caras não são vigaristas malignos vendendo bens roubados ou sobras para a juventude da nação. Se fossem, esse disco teria sido muito melhor do que é, já que quase qualquer um pode repetir uma fórmula. Em vez disso, o Aerosmith soa como uma banda que está apenas começando — muito, na verdade, como amadores’. (Para registro, isso é extremamente duro, e o Aerosmith continuaria a lançar discos muito piores nos anos seguintes. Essa é apenas a primeira vez que foi uma surpresa genuína que eles não fossem tão brilhantes.)”
43. “The Life of Pablo” (Kanye West)
42. “Songs of Innocence” (U2): “Vamos deixar algo muito importante claro aqui: ‘Songs of Innocence’ não merecia nem uma pequena quantidade do ódio e da zombaria que absorveu em 2014, quando o U2 tomou a decisão inexplicavelmente idiota de enviá-lo gratuitamente para todos os iPhones do planeta. Se o single ‘Every Breaking Wave’ tivesse sido lançado em 1992, poderia ter sido um grande sucesso. ‘Song for Someone’ é uma linda canção de amor para a esposa de Bono, e ‘The Miracle (of Joey Ramone)’ é uma ode sincera ao ícone punk. E mesmo que eles fizessem algo tão perfeito quanto ‘Achtung Baby’ ou ‘The Joshua Tree’ em 2014, muitas pessoas ainda teriam reagido com fúria à façanha do iPhone. O U2 ainda pode tocar em estádios sempre que faz turnê, mas a maioria dos jovens tem pouca utilidade para eles. A grandiosidade da banda simplesmente os desanima. E infelizmente, ‘Songs of Innocence’ simplesmente não chega perto dos pontos altos do melhor trabalho do U2. Foi o álbum errado na hora errada, e prejudicou sua marca de maneiras enormes, de forma justa ou não. (Nós sentimos que foi injusto.) E decepcionou quase todo mundo, exceto os membros mais fiéis do culto do U2.”
41. “Neither Fish nor Flesh” (Terence Trent D’Arby)
40. “Bat Out of Hell III: The Monster Is Loose” (Meat Loaf): “Ter grandes expectativas para um novo álbum de Meat Loaf em 2006 pode ter parecido insano, mas era igualmente insano estar animado para um novo álbum de Meat Loaf em 1993, quando ele lançou ‘Bat Out of Hell II: Back Into Hell’, um dos melhores álbuns de retorno da história do rock. O burburinho inicial em torno de ‘Bat III’ era que Meat estava mais uma vez trabalhando com o idealizador do ‘Bat I’ e ‘Bat II’, Jim Steinman. Mas descobriu-se que Meat e Steinman estavam em desacordo legal sobre a marca registrada ‘Bat Out of Hell’. Steinman também estava lidando com problemas de saúde significativos na época. Isso significava que Meat tinha que vasculhar o catálogo antigo de Steinman e escolher tudo, de ‘It’s All Coming Back to Me Now’ a ‘In the Land of the Pig, the Butcher Is King’, que foi escrita para um musical do Batman que nunca saiu do papel. O resultado final é um esforço profundamente insatisfatório, indigno do nome ‘Bat Out of Hell’.”
39. “Back From Hell” (Run-D.M.C.)
38. “Here Today, Tomorrow Next Week!” (The Sugarcubes)
37. “Shout” (Devo)
36. “Behind the Mask” (Fleetwood Mac): “Contra todas as probabilidades, considerando as montanhas de cocaína que eles consumiram e as guerras civis que lutaram, o Fleetwood Mac teve uma boa fase nos anos oitenta. Mas eles começaram os anos noventa de forma horrível com ‘Behind the Mask’, de 1990, o primeiro álbum que fizeram depois que Lindsey Buckingham deixou a banda, pouco antes da turnê ‘Tango in the Night’. Rick Vito e Billy Burnette conseguiram preencher um pouco o vazio deixado na estrada, mas o estúdio era uma história muito diferente. O peso combinado de suas composições não era igual a um único Buckingham. Não há uma única música aqui que possa se comparar a ‘Big Love’, ‘Everywhere’, ‘Little Lies’ ou ‘Gypsy’. Há um punhado de originais de Stevie Nicks e Christine McVie, mais notavelmente ‘Save Me’ e ‘Skies the Limit’, mas é provável que nenhuma delas teria recebido um aceno de aprovação de Buckingham. Sua mera presença elevou o jogo de todos. Eles estavam perdidos sem ele.”
35. “Pretty.Odd” (Panic! at the Disco)
34. “Technical Ecstasy” (Black Sabbath): “‘Technical Ecstasy’ está longe de ser o pior álbum do Black Sabbath. (Esse chegaria duas décadas depois, quando os remanescentes da banda se uniram ao guitarrista do Body Count, Ernie C, para ‘Forbidden’.) E nem é o pior da era original de Ozzy Osbourne. (Esse é o encorpado ‘Never Say Die!’ de 1978) Mas é o primeiro em que ficou claro que os deuses do metal que deram ao mundo obras-primas como ‘Black Sabbath’, ‘Paranoid’, ‘Master of Reality’ e ‘Sabbath Bloody Sabbath’ em um período notavelmente curto estavam ficando sem ideias e incapazes de se adaptar a um clima musical em mudança. Eles também estavam cheirando montanhas de cocaína, distraídos por preocupações legais, financeiras e incapazes de ver que as baladas piegas ‘It’s Alright’ e ‘She’s Gone’ não iriam conquistar novos fãs encantados por grupos punk emergentes como Clash e Sex Pistols. Para ter uma ideia de onde tudo deu errado, ouça ‘Rock and Roll Doctor’, que soa como uma música perdida do Kiss. ‘Tenho que ver meu médico do rock and roll’, Osbourne canta. ‘Tenho que vê-lo, vê-lo hoje/Ele vai me surpreender’. O álbum termina com uma nota forte com ‘Dirty Women’, mas o resto é apenas preenchimento que nunca teria sido incluído em um disco do Black Sabbath apenas alguns anos antes.”
33. “Muse Sick-n-Hour Mess Age” (Public Enemy)
32. “I’m in You” (Peter Frampton): “Para ser justo, qualquer coisa que Peter Frampton lançasse depois de ‘Frampton Comes Alive!’ seria visto como uma decepção. O álbum do concerto de 1976 foi um dos maiores discos dos anos setenta e até o próprio Frampton se cansou das músicas. ‘Eu estava morrendo de vontade de me ouvir no rádio’, ele disse à Rolling Stone em 2019, ‘e então chegou ao ponto em que pensei: ‘Gostaria que não me tocassem tanto.’’ À medida que a mania começou a diminuir, ele foi para o estúdio para fazer um álbum de verdade. E embora a faixa-título tenha alcançado o número dois na Billboard Hot 100, o resto do álbum não conectou como ‘Frampton Comes Alive!’ Para piorar as coisas, ele deu aos seus críticos bastante munição quando posou sem camisa. Olhando para trás em 2019, Frampton disse que só tinha a si mesmo para culpar. ‘‘I’m In You’ poderia ter sido muito melhor se eu estivesse em um estado mental melhor naquele momento’, ele disse, ‘mas minha cabeça explodiu pouco antes de entrarmos no estúdio’.”
31. “Congratulations” (MGMT)
30. “One Hot Minute” (Red Hot Chili Peppers): “Em 1994, o Red Hot Chili Peppers e Dave Navarro enfrentavam dois problemas que era o exato inverso um do outro. Ele era um guitarrista sem banda após a dissolução do Jane’s Addiction. Eles eram uma banda sem guitarrista após John Frusciante ter caído fora durante a turnê do seu álbum de estouro comercial, ‘Blood Sugar Sex Magik’. No papel, parecia um supergroup do rock alternativo. Na realidade, eles precisavam superar as sombras de duas bandas lendárias. Anthony Kiedis também estava afundado na dependência química, o que fez as sessões se estenderem por meses. Algumas canções se destacaram, como ‘Aeroplane’. Mas nada que fizesse os fãs esquecerem ‘Under the Bridge’ ou ‘Mountain Song’. ‘O shred metálico da guitarra de Navarro deveria ter adicionado algum peso ao funk de guitarra pesada com influência punk dos Chili Peppers, mas tende a torná-lo lento’, escreveu Stephen Thomas Erlewine, da AllMusic. ‘‘One Hot Minute’ é tão musicalmente ambicioso quanto ‘Blood Sugar Sex Magik’, mas é ainda mais desfocado, o que significa que ele fornece o menor número de emoções de todos os álbuns do grupo’. Para seu próximo álbum, ‘Californication’, Frusciante retornou ao grupo e toda a era ‘One Hot Minute’ foi misericordiosamente esquecida.”
29. “The Final Cut” (Pink Floyd): “Como você dá sequência a uma série de álbuns como ‘The Dark Side of the Moon’, ‘Wish You Were Here’, ‘Animals’ e ‘The Wall’? Se você é o líder do Pink Floyd, Roger Waters, você demite o tecladista Richard Wright, insiste em escrever todas as músicas completamente sozinho, mesmo que David Gilmour tenha ajudado você a escrever uma pequena melodia chamada ‘Comfortably Numb’ no último disco, e monta mais um álbum conceitual sobre os males da guerra e a perda do seu pai. E se isso não irritar a banda o suficiente, você credita isso como ‘um réquiem para o sonho do pós-guerra de Roger Waters, interpretado pelo Pink Floyd’, basicamente rebaixando todos eles ao status de banda de apoio. Agora, tudo isso seria um tanto tolerável se o álbum fizesse jus ao seu melhor trabalho. Mas além de algumas músicas como ‘The Gunner’s Dream’, não chega nem perto. Parece apenas um monte de outtakes do ‘The Wall’ amarrados juntos.”
28. “Cahoots” (The Band): “A The Band estava em uma situação difícil quando o trabalho começou em ‘Cahoots’, no ano de 1971. Robbie Robertson estava completamente esgotado de novas ideias para músicas depois de lançar ‘Music From Big Pink’, ‘The Band’ e ‘Stage Fright’ em rápida sucessão entre 1968 e 1970, e muitos de seus companheiros de banda estavam rapidamente caindo em vícios em drogas que prejudicariam sua produtividade nos anos seguintes. ‘Life is a Carnival’ começa o álbum com uma joia, e sua interpretação de ‘When I Paint My Masterpiece’ de Bob Dylan mostra que ninguém era melhor em interpretar sua música. Mas ele mergulha fundo depois disso com falhas como ‘Shoot Out in Chinatown’, ‘Last of the Blacksmiths’ e ‘Volcano’, que nunca teriam sido incluídas em seus álbuns anteriores. As críticas foram mistas e eles não lançariam outro álbum de material novo por quatro anos.”
27. “Balance” (Van Halen): “É tentador acreditar que o Van Halen não sucumbiu à mediocridade até que Sammy Hagar saiu e Gary Cherone assumiu como vocalista principal. Mas essa narrativa exige apagar seu LP de 1995, ‘Balance’, da história. Infelizmente, a sequência profundamente decepcionante de ‘For Unlawful Carnal Knowledge’ de 1991 realmente existe. Não há nada aqui que se compare remotamente aos altos de ‘Poundcake’ e ‘Right Now’ do álbum anterior. Em vez disso, temos as canções de amor gêmeas ‘Can’t Stop Lovin’ You’ e ‘Don’t Tell Me (What Love Can Do)’ junto com ‘Amsterdam’, uma homenagem à cidade onde Hagar é livre para fumar maconha abertamente. (Exemplo de letra: ‘Tenho um bolso cheio de dinheiro/Tenho uma longa noite pela frente/Passadinha rápida no Bulldog/Me dê um Panama Red.’) E o álbum começa com cânticos de monges de verdade. A coisa toda está toda confusa e é uma triste evidência de que Eddie Van Halen estava sem ideias.”
26. “Smiler” (Rod Stewart): “Rod Stewart lançou tanto trabalho de má qualidade ao longo dos anos que é fácil esquecer que seus quatro primeiros álbuns solo (‘An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down’, ‘Gasoline Alley’, ‘Every Picture Tells a Story’, ‘Never a Dull Moment’) foram todos inegavelmente brilhantes. E quando você leva em consideração seu trabalho no Faces ao mesmo tempo exato, era seguro presumir que qualquer novo lançamento de Rod que você pegasse na loja de discos chegaria ao nível do que veio antes. Essa expectativa acabou para sempre com o lançamento de ‘Smiler’ em 1974. Com as únicas exceções de um cover suave de ‘Girl From the North Country’ de Bob Dylan e uma versão animada de ‘Sweet Little Rock and Roller’, nada funciona em ‘Smiler’. O ponto mais baixo é um cover do corte super profundo de Elton John ‘Let Me Be Your Car’, que é tão idiota quanto parece. Nem vamos falar sobre sua decisão de retrabalhar ‘(You Make Me Feel Like A) Natural Woman’ de Carole King como ‘(You Make Me Feel Like A) Natural Man’. Stewart lançaria álbuns muito piores que ‘Smiler’ ao longo de sua longa carreira, mas nunca um tão decepcionante.”
25. “Dark Horse” (George Harrison): “É difícil culpar George Harrison por não estar exatamente no auge de sua carreira em ‘Dark Horse’, de 1974. Ele estava sofrendo de laringite, um vício crescente em cocaína e bebida, e tinha um prazo muito curto para terminar o álbum antes do início de sua malfadada turnê solo inaugural. Havia também o pequeno problema de que seu melhor amigo, Eric Clapton, tinha acabado de fugir com sua esposa, Pattie Boyd, depois de dizer ao mundo que não conseguiria viver sem ela em uma pequena canção chamada ‘Layla’. Ele tentou tirar sarro da situação retrabalhando ‘Bye Bye Love’ na sessão enquanto Clapton e Boyd assistiam (‘Espero que ela esteja feliz/Old Clapper também’), mas o resultado é apenas um festival de vergonha alheia. As coisas não melhoram muito em canções lamentavelmente malfeitas como ‘So Sad’, ‘Far East Man’ e ‘Ding Dong, Ding Dong’. Tudo isso aconteceu apenas um ano após o brilhantismo de ‘Living in the Material World’, e deu início a um longo período de declínio para Harrison, que não melhorou até que Jeff Lynne entrou em sua vida mais de uma década depois.”
24. “Eye of the Zombie” (John Fogerty): “Depois de uma década no deserto musical, John Fogerty ressurgiu com ‘Centerfield’ em 1985 e conquistou uma nova geração de fãs graças à faixa-título com tema de beisebol e à estilo Creedence ‘The Old Man Down the Road’. Apenas um ano depois, ele perdeu muitos desses fãs quando lançou ‘Eye of the Zombie’. A produção grita meados dos anos oitenta, e não há uma única música memorável ou gancho em tudo. ‘Eye of the Zombie carrega todas as marcas de ser um trabalho rápido deste notório perfeccionista do rock & roll’, escreveu Stephen Thomas Erlewine para a AllMusic. ‘Faixa por faixa, é um fracasso de proporções surpreendentes’. Fogerty promoveu o álbum com uma turnê onde não tocou uma única música do CCR, o que significa que os fãs tiveram que assistir a fracassos como ‘Soda Pop’ e ‘Wasn’t That a Woman’ a noite toda. Todo o projeto foi um desastre que fez Fogerty tirar mais uma década completa de folga do negócio de fazer discos.”
23. “Justus” (The Monkees): “Em algum momento no início de 1996, Michael Nesmith ouviu a música tema de ‘Friend’ e teve uma ideia. ‘Ele entendeu que ela soava exatamente como ‘Headquarters’’, disse Peter Tork à Rolling Stone em 2016. ‘Ele apenas entrou no clima e queria ver no que dava, então me chamou e Micky Dolenz para tocar com ele. Foi a primeira vez que tocamos juntos assim desde 1969’. O trio eventualmente colocou Davy Jones na mistura e gravou ‘Justus’. Como o título sugere, tudo no álbum foi criado apenas pelos quatro membros dos Monkees. Os fãs ficaram emocionados com a ideia de ouvir um ‘Headquarters’ para os anos noventa. Infelizmente, eles simplesmente não tinham ótimas músicas como tinham naquela época. O álbum foi um fracasso total e Nesmith perdeu o interesse no projeto após uma rápida turnê pelo Reino Unido. Levaria mais 20 anos até que ele decidisse participar de outro disco dos Monkees, que acabou sendo o brilhante ‘Good Times’. Ele apagou a infeliz memória de ‘Justus’.”
22. “Dylan & the Dead” (Bob Dylan & Grateful Dead): “Parecia uma dupla que não poderia falhar. Este era o maior compositor de sua geração apoiado por uma das bandas mais queridas da história americana, no momento em que estavam surfando em uma onda de retorno massiva graças ao seu hit inesperado ‘Touch of Grey’. Mas Bob Dylan e o Grateful Dead simplesmente não se deram bem quando fizeram uma turnê juntos em 1987. Este era Bob no ponto mais baixo de sua carreira, e tocar uma versão penosamente lenta de nove minutos de ‘Joey’ com o Dead não iria consertar nada. Os dylanologistas insistem que a turnê foi um pouco melhor do que as sete músicas selecionadas para este pacote, o que é um alívio. É difícil imaginar algo pior. ‘Apesar da presença do Dead, o álbum é um álbum típico demais do Dylan do final dos anos 80’, escreveu David Fricke da Rolling Stone em uma crítica, ‘fascinante pelas expectativas que ele levanta e frustrante pelas maneiras como ele continua errando o alvo’.”
21. “Second Coming” (The Stone Roses): “Os Stone Roses são um dos grandes ‘e se’ na história do rock. E se o quarteto de rock alternativo do Reino Unido fizesse uma turnê intensa pela América após o lançamento de seu impecável álbum de estreia autointitulado de 1989 em vez de ignorá-lo completamente? E se eles mantivessem seus egos sob controle, parassem com as drogas e conseguissem permanecer amigos? E se eles não tivessem esperado cinco anos e meio para lançar seu segundo álbum? E se esse álbum fosse pelo menos um quarto tão forte quanto seu primeiro disco? Eles poderiam ter sido tão grandes quanto o Oasis ou até mesmo o Radiohead se tivessem permanecido em seu caminho original e continuado escrevendo canções no mesmo nível de ‘I Am the Resurrection’ ou ‘I Wanna Be Adored’. Em vez disso, eles foram arrogantes o suficiente para nomear seu segundo LP de ‘Second Coming’ como se fossem literalmente Jesus. Na época em que foi lançado, o Britpop estava a todo vapor e eles não tinham uma única música no álbum forte o suficiente para fazer alguém largar seus álbuns Blur ou Oasis e dar mais do que uma única ouvida. Eles se separaram pouco tempo depois.”
20. “Raised on Radio” (Journey): “No intervalo de três anos entre ‘Frontiers’ e ‘Raised on Radio’, o vocalista do Journey, Steve Perry, se tornou uma estrela solo graças a ‘Oh, Sherrie’ e ‘Foolish Heart’. Ele usou sua fama recém-descoberta para tirar o baixista Ross Valory e o baterista Steve Smith da banda. Queria modernizar o som usando profissionais de estúdio, mas o trio restante simplesmente não tinha músicas como ‘Faithfully’ ou ‘Open Arms’ prontas para tocar. O single principal ‘Be Good to Yourself’ tinha um pouco da velha magia do Journey e ‘It Could Have Been You’ é uma joia escondida, mas o resto do álbum é bem sem graça. O coração de Perry simplesmente não estava mais na música, fosse o Journey ou não, e ele praticamente desapareceu da cena na década que se seguiu.”
19. “Radio Ethiopia” (Patti Smith Group): “O LP de estreia de Patti Smith, ‘Horses’, de 1975, foi um triunfo em todas as medidas possíveis, além do sucesso comercial. Não gerou nada que se assemelhasse a um hit mainstream e estagnou na posição 47 na Billboard 200, apesar das críticas arrebatadoras e de sua enorme influência no mundo do rock. Para o sucessor, Smith (e sua gravadora) queriam um hit. É por isso que ela escolheu o produtor do Aerosmith/Cheap Trick, Jack Douglas, para supervisionar as sessões. Mas simplesmente não está em seu sangue escrever uma música como ‘I Want You to Want Me’ ou ‘Walk This Way’. É por isso que ela deu a Douglas obras de vanguarda como a faixa-título de 10 minutos, que nunca chega perto das alturas de ‘Land’, sua música complementar em Horses. ‘Pissing in a River’ é uma das melhores músicas do catálogo de Smith, mas o resto do álbum é decepcionante ao extremo. ‘Smith parece não ter a direção necessária para viver de acordo com suas melhores ideias — a estrutura canção-poema do primeiro álbum não foi completamente eficaz, mas aqui não há estrutura alguma’, escreveu Dave Marsh na Rolling Stone. ‘Até mesmo sua escrita lírica, a parte mais cativante e polida de seu trabalho, parece despersonalizada — não há nada tão comovente quanto ‘Redondo Beach’ ou ‘Kimberly’ neste álbum. E se houvesse, dificilmente alguém conseguiria ouvi-la na mixagem avassaladora de Jack Douglas’.”
18. “Thank You” (Duran Duran): “O Duran Duran estava tão morto quanto a discoteca quando os anos noventa começaram, mas eles dispararam de volta à relevância em 1993 graças a ‘Ordinary World’ e ‘Come Undone’ do ‘The Wedding Album’ de 1993. Este foi um momento para voltar ao estúdio, criar outro álbum de originais e capitalizar o momento inesperado. Não foi um momento para gravar um álbum de covers onde tudo, de ‘Lay Lady Lay’ de Bob Dylan e ‘Watching the Detectives’ de Elvis Costello a ‘911 Is a Joke’ do Public Enemy e ‘White Lines’ do Grandmaster Flash and the Furious Five recebeu o tratamento Duran Duran. Ninguém queria ouvir o Duran Duran tentar sua sorte no hip-hop. O projeto foi lamentavelmente equivocado do começo ao fim e encerrou prematuramente o retorno.”
17. “Byrds” (The Byrds): “Muito antes de as reuniões do grande rock serem comuns, os Byrds originais se reuniram para ver se conseguiam recapturar a magia dos primeiros dias. Era 1973 e todos eles seguiram direções dramaticamente diferentes nos sete anos desde que estavam juntos, com apenas David Crosby se tornando um verdadeiro superstar graças ao Crosby, Stills, Nash e Young. Roger McGuinn, enquanto isso, liderou muitas formações dos Byrds e estava pronto para trazer a saga de volta para onde começou. Tudo isso fazia sentido no papel, mas todos os cinco ainda estavam focados implacavelmente em seus trabalhos solo e outros projetos externos. O álbum foi feito às pressas ao longo de apenas algumas semanas, e quase todo mundo admitiu mais tarde que eles seguraram suas melhores músicas. O resultado é um álbum sinuoso, destacado por alguns covers decentes de Neil Young (‘Cowgirl in the Sand’, ‘See the Sky About to Rain’), uma música de Joni Mitchell (‘For Free’) e um punhado de originais que não fizeram ninguém esquecer ‘Eight Miles High’ ou ‘So You Want to be a Rock and Roll Star’. ‘Sou obrigado a comentar sobre o mais decepcionante e um dos álbuns mais chatos do ano, Byrds’, escreveu Jon Landau em uma crítica brutal à Rolling Stone. ‘No seu melhor, eles já foram minha banda branca americana favorita de rock & roll, mas não só não é o melhor deles — é quase eles’.”
16. “Let Me Up (I’ve Had Enough)” (Tom Petty and the Heartbreakers): “Como o título sugere, Tom Petty and the Heartbreakers estavam esgotados em 1987. Eles estavam gravando e em turnê por cerca de uma dúzia de anos seguidos a essa altura, e precisavam desesperadamente de uma pausa. Mas eles voltaram ao estúdio sem o produtor de longa data Jimmy Iovine e produziram este álbum abaixo da média. O single principal ‘Jammin’ Me’ é um esforço forte (apesar das referências insanamente desatualizadas a Vanessa Redgrave e Joe Piscopo) coescrito por Bob Dylan, mas o álbum cai de um penhasco depois disso. Músicas como ‘All Mixed Up’ e ‘Runaway Trains’ não são horríveis, mas simplesmente não atendem aos padrões usuais de Petty. E nenhuma delas é ajudada pela produção cafona do final dos anos oitenta. Muito poucas dessas músicas além de ‘Jammin’ Me’ foram tocadas ao vivo novamente depois dos anos oitenta, e nenhuma delas apareceu no ‘Greatest Hits’ de 1993. O álbum não foi uma perda total, no entanto. Isso persuadiu Petty a fazer uma grande mudança na próxima vez. O resultado foi ‘Full Moon Fever’, o álbum de maior sucesso de sua longa carreira.”
15. “A Single Man” (Elton John): “O indiscutível período de ouro de Elton John foi de ‘Elton John’, de 1970, a ‘Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy’, de 1975. (Pode-se argumentar que há um bom número de faixas fracas em ‘Caribou’, de 1974, mas ainda é um álbum forte no geral.) Houve uma queda clara na qualidade em ‘Blue Moves’, de 1975, e ‘Rock of the Westies’, de 1976, mas o fundo do poço não chegou até ‘A Single Man’, de 1978. É o primeiro álbum sem o letrista Bernie Taupin. E com todas as desculpas ao novo colaborador de John, Gary Osborne, ele não é Bernie. Ele nem chega perto. Para piorar as coisas, John estava em uma depressão profunda e irremediavelmente viciado em cocaína. As músicas sofreram muito como resultado, com a única exceção sendo o instrumental brilhante ‘Song for Guy’. O resto é apenas uma penugem instantaneamente esquecível. ‘‘A Single Man’ demonstra o quão tênue é a linha entre o pop descartável de rádio e a música de elevador’, escreveu Stephen Holden, da Rolling Stone, em uma crítica cruel, ‘e sugere que, apesar de todas as reclamações públicas de Elton John sobre não ser levado a sério, a única coisa que sempre importou para ele é que os sucessos continuem chegando. Que não continuem’.”
14. “Hawks & Doves” (Neil Young): “Entre o primeiro disco do Buffalo Springfield em 1967 e ‘Rust Never Sleeps’ em 1979, Neil Young teve uma das maiores sequências de brilhantismo sustentado na história do rock. E então vieram os anos oitenta. É um pouco injusto criticar Young por sua produção no início da década, considerando que a grande maioria de seu tempo foi gasto cuidando de seu filho Ben, que nasceu com paralisia cerebral. Isso explica por que ele montou ‘Hawks & Doves’ em questão de dias e confiou muito em outtakes dos anos setenta. São essas músicas (‘Little Wing’, ‘Captain Kennedy’, ‘This Old Homestead’, ‘Lost in Space’) que impedem que ‘Hawks & Doves’ seja um fiasco total. Mas as originais do lado dois não são apenas sem vida, elas também são estranhamente conservadoras e chauvinistas, refletindo seu breve apoio a Ronald Reagan. O álbum foi lançado dias antes da eleição de 1980 e foi esquecido quase instantaneamente.”
13. “The Hunter” (Blondie): “Se o Blondie tivesse se separado em 1981 em vez de 1982, eles teriam deixado para trás um catálogo absolutamente imaculado. Mas eles avançaram aquele ano extra e deram ao mundo ‘The Hunter’ por obrigação contratual. Está claro desde o início que o coração deles não está nessa bagunça superproduzida de disco. ‘Island of Lost Souls’ é uma tentativa patética de criar outra ‘The Tide Is High’, e seu tributo aos Beatles ‘English Boys’ é simplesmente um constrangimento. ‘O tom austero e agourento deste disco sugere que o Blondie se esqueceu de como se divertir e como fazer um’, escreveu Parke Puterbaugh, da Rolling Stone. ‘‘The Hunter’ é um álbum de humores gelados e sobrenaturais para os modernos, um espelho treinado em nossos próprios costumes sociais peculiares e autoconsumidores. No mínimo, ele fará você se perguntar o quão longe um antigo grupo pop New Wave pode se afastar do mainstream antes de se encontrar completamente fora do atual’.”
12. “Flick of the Switch” (AC/DC): “O AC/DC tinha muitos motivos para ser arrogante em 1983. Eles não só sobreviveram à morte do vocalista Bon Scott em 1980, mas de alguma forma se tornaram ainda mais populares graças ao novo vocalista Brian Johnson. Seus dois primeiros álbuns no comando foram os mega-vendedores ‘Back in Black’ e ‘For Those About to Rock (We Salute You)’, ambos produzidos por Mutt Lange. Para o terceiro álbum de Johnson, eles abandonaram Lange e decidiram produzi-lo eles mesmos. Isso poderia ter funcionado se tivessem outro conjunto de músicas fortes, mas simplesmente não tinham. Eles também estavam lidando com o crescente problema de bebida do guitarrista Malcolm Young e conflitos com o baterista Phil Rudd, que foi demitido antes do LP ser concluído. O resultado disso é um álbum profundamente irregular. ‘A música do AC/DC sempre foi simples, mas aqui soa subdesenvolvida e esquecível’, escreveu Steve Huey, da AllMusic. ‘Como talvez indicado pelo título original idiota do disco, o totalmente genérico ‘I Like to Rock’, o AC/DC parecia estar ficando sem ideias em um ritmo alarmante’.”
11. “Lou Reed” (Lou Reed): “O Velvet Underground não vendeu muitos discos ou saiu da cena club, mas seus quatro álbuns com Lou Reed no comando são vários tons de perfeição. E quando ele ressurgiu após um breve período de deserto com sua estreia solo em 1972, os fãs tinham todos os motivos para esperar algo brilhante. Mas o que eles obtiveram foi um monte de outtakes requentados do Velvet Underground, onde Reed foi inexplicavelmente acompanhado por Steve Howe e Rick Wakeman do Yes, juntamente com o guitarrista de Elton John, Caleb Quaye. Esses são músicos muito talentosos por si só, mas ridiculamente errados para esta tarefa em particular. Quando você joga as escolhas horríveis de produção do LP, você obtém um álbum que até mesmo os aficionados hardcore de Reed não se preocupam em defender. Felizmente, o superfã do VU, David Bowie, entrou em cena logo após o fracasso deste álbum e o ajudou a criar ‘Transformer’. É basicamente considerado seu primeiro álbum solo neste momento. Ele recebeu um mulligan para a estreia real.”
10. “Invincible” (Michael Jackson)
9. “Tales From Topographic Oceans” (Yes): “Antes que vocês, progheads, tenham um ataque de raiva, vamos deixar bem claro: ‘Tales From Topographic’ Oceans não é um álbum terrível. Há momentos muito bons nele, especialmente o que o encerra ‘Ritual (Nous Sommes du Soleil)’. Mas ele seguiu ‘The Yes Album’, ‘Fragile’ e ‘Close to the Edge’. Esses são três dos melhores álbuns da história do prog. O Yes deu um grande passo para trás com o extenso e desfocado ‘Tales From Topographic Oceans’. Se você acha que estamos exagerando, vamos ouvir o próprio Rick Wakeman. ‘O problema é que ‘Tales’ tinha muitas melodias boas e poucas músicas boas’, ele disse à Rolling Stone em 2019. ‘[Depois da turnê] convoquei uma reunião e disse: ‘Sinto muito, rapazes, mas se é essa a direção que estamos seguindo, não posso fazer parte disso’.”
8. “Journey Through the Secret Life of Plants” (Stevie Wonder)
7. “Smiley Smile” (Beach Boys): “Tomado isoladamente, ‘Smiley Smile’ é um experimento low-fi encantadoramente estranho que se destaca como um dos melhores álbuns dos Beach Boys em seu vasto catálogo. Mas este foi o sucessor de ‘Pet Sounds’ e ‘Good Vibrations’. Brian Wilson estava determinado a superar essas obras-primas gêmeas criando uma ‘sinfonia adolescente para Deus’ conhecida como ‘Smile’. Mas ele estava lidando com graves problemas de saúde mental na época e acabou abandonando o projeto. Seus companheiros de banda simplesmente pegaram as músicas de Wilson e rapidamente criaram versões rápidas em seu estúdio caseiro que não têm o brilho exuberante e subversivo dos originais. De certa forma, é como olhar para uma Polaroid da Mona Lisa. Dito isso, ‘Smiley Smile’ ainda é uma experiência musical maravilhosa, já que as músicas subjacentes são tão fortes. Mas é um fac-símile pálido do negócio real, como os fãs aprenderam quando as fitas originais do ‘Smile’ vazaram lentamente como bootlegs antes de Wilson finalmente terminar o projeto em 2004. ‘Nós acertamos um bunt’, disse Carl Wilson, ‘em vez de um grand slam’.”
6. “Human Touch” (Bruce Springsteen): “No início dos anos 90, Bruce Springsteen demitiu a E Street Band, mudou-se para Los Angeles e teve seu primeiro filho com sua esposa Patti Scialfa. Ele também começou a gravar músicas com profissionais de estúdio como o baterista Jeff Porcaro e o baixista Randy Jackson que refletiam sua recém-descoberta felicidade doméstica. Algumas delas eram excelentes, como ‘Human Touch’ e ‘Real World’, mas outras estavam entre as piores que ele já havia considerado dignas de lançamento, como ‘Man’s Job’ e ‘The Long Goodbye’. E a produção era dolorosamente datada em todos os aspectos. Ele lançou ‘Human Touch’ no mesmo dia que ‘Lucky Town’, um álbum ligeiramente superior, e recebeu as piores críticas de sua carreira. Os álbuns inicialmente venderam bem, mas havia pilhas deles em lojas de CDs usados apenas alguns meses depois. Pela primeira vez em sua carreira, ele errou. Quando foi introduzido no Hall da Fama do Rock & Roll em 1998, ele reconheceu isso com franqueza típica. ‘Agora, meu pai, ele faleceu este ano, mas eu tenho que agradecê-lo porque — o que eu teria escrito sem ele?’ ele disse. ‘Quer dizer, você pode imaginar que se tudo tivesse ido bem entre nós, teríamos tido um desastre. Eu teria escrito apenas músicas felizes — e eu tentei no começo dos anos 90, e não funcionou. O público não gostou’.”
5. “Chinese Democracy” (Guns N’ Roses): “Em retrospecto, era um pouco louco esperar algo espetacular do Guns N’ Roses quando ‘Chinese Democracy’ chegou às prateleiras em novembro de 2008. A essa altura, a banda era apenas Axl Rose e músicos contratados por mais de uma década. A música de 1999 ‘Oh My God’ da trilha sonora de End of Days era profundamente desinteressante, e todos nós tínhamos lido as notícias das sessões intermináveis e ridiculamente caras de ‘Chinese Democracy’. Mas ainda esperávamos que Axl tivesse passado todos aqueles anos trabalhando em sua obra-prima e o resultado final provaria que todos os céticos estavam errados. Isso não aconteceu. Apesar de um punhado de músicas fortes como ‘Better’, ‘There Was a Time’ e ‘Prostitute’, o álbum é ridiculamente cozido demais. A banda parcialmente reunida deu nova vida a muitas delas na turnê de reunião cerca de uma década depois, mas o próprio ‘Chinese Democracy’ continua sendo uma profunda decepção. E o triste fato de eles não terem oferecido nada de novo desde que foi lançado, além de sobras requentadas do próprio, é ainda mais decepcionante.”
4. “Tonight” (David Bowie): “Após o enorme sucesso de ‘Let’s Dance’ em 1983 e a sequência de 13 anos de quase perfeição antes daquele álbum, parecia que David Bowie era incapaz de criar um disco ruim. Ele provou que essa teoria estava errada apenas um ano depois ao lançar o encorpado ‘Tonight’. O single principal ‘Blue Jean’ tem algum charme, e ‘Loving the Alien’ é um Bowie extraterrestre vintage, mas o resto é chocantemente inepto, até mesmo seu dueto com Tina Turner na música Iggy Pop de 1977 ‘Tonight’. As coisas chegam ao fundo do poço com um remake inútil de ‘God Only Knows’ dos Beach Boys. Estranhamente, há muito poucos novos originais de Bowie e uma abundância de músicas antigas de Iggy que não precisavam de modernização para os anos oitenta. O álbum inteiro parece estranhamente apressado. O fiasco destruiu quase todo o ímpeto que ele ganhou com ‘Let’s Dance’. Levaria muito, muito tempo até que ele o recuperasse.”
3. “Self Portrait” (Bob Dylan): “Pouco depois de ouvir ‘Self Portrait’ de Bob Dylan pela primeira vez, o crítico da Rolling Stone Greil Marcus escreveu a mais famosa chamada para uma resenha na história da crítica de rock: ‘Que m*rda é essa?’ Ele estava respondendo a uma estranha mistura de covers, cortes ao vivo e originais enriquecidos com cordas e cantores de fundo que compõem o álbum. Em 1984, o notoriamente não confiável Dylan alegou que o fez ruim de propósito para alienar seus fãs e ganhar um pouco de paz. ‘Eu quero fazer algo que eles não possam gostar, com o qual não possam se relacionar’, disse ele. ‘Eles verão, ouvirão e dirão: ‘Bem, vamos para a próxima pessoa’.’ O box set de 2018 ‘Another Self Portrait’ provou que ele realmente gravou muitas músicas excelentes nessa época, levando a uma ligeira reavaliação do álbum original. Mas, comparado à produção de Dylan nos anos 60 que o precedeu, ‘Self Portrait’ ainda foi uma grande decepção.”
2. “Their Satanic Majesties Request” (The Rolling Stones): “Perto do auge do movimento psicodélico, meses depois que os Beatles surpreenderam o mundo com ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’, os Rolling Stones lançaram ‘Their Satanic Majesties Request’. É um álbum extremamente ambicioso, onde eles utilizam mellotrons, cordas e ritmos africanos em uma tentativa fracassada de superar seus concorrentes psicodélicos. Há momentos muito fortes como ‘She’s a Rainbow’, mas também momentos dolorosamente piegas como a abertura do álbum ‘Sing This All Together’, que desaparecem da memória segundos depois de terminarem. O álbum tem alguns defensores apaixonados, mas nenhum fã sério argumenta que é uma fração tão brilhante quanto os primeiros singles do grupo ou o trabalho que se seguiu na década seguinte. ‘Não é muito bom’, disse Mick Jagger à Rolling Stone em 1995. ‘É uma experiência sonora, na verdade, em vez de uma experiência musical. Há duas boas músicas nele: ‘She’s a Rainbow’ e ‘2000 Light Years From Home’. O resto delas é um absurdo… Acho que estávamos tomando muito ácido’.”
1. “Some Time in New York City” (John Lennon): “Quando John Lennon se mudou para Nova York em 1971, ele mergulhou no movimento antiguerra e fez amizade com radicais da contracultura como Abbie Hoffman e Jerry Rubin. Não demorou muito para que o governo Nixon tentasse deportá-lo. Enquanto lutava para permanecer no país, ele escreveu músicas como ‘Attica State’, ‘John Sinclair’ e ‘Sunday Bloody Sunday’, que refletiam a política inflamável do momento. Mas elas eram meia-boca, na melhor das hipóteses, e pareciam datadas quase instantaneamente. Ouvindo ‘Some Time in New York City’ hoje, é quase impossível acreditar que seus dois álbuns anteriores foram ‘Plastic Ono Band’ e ‘Imagine’. Ambos os álbuns são obras-primas atemporais. ‘Some Time in New York City’ é tão descartável quanto os jornais na capa. Ele se recuperou com ‘Mind Games’ em 1973, deixando ‘Some Time in New York City’ pouco mais do que uma infeliz cápsula do tempo de uma época conturbada.”
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